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The Magazine
Borderless
pip : qiq
Emptiness and Fulfillment
2026
ISBN: 979-11-999042-1-7
Second Edition / 60 copies
182 × 257 mm, 208 pp.
Exposed Smyth-sewn binding
Chipboard cover 209gsm
Munken Pure Rough 120gsm
Black endpapers 240gsm
Photo & Artwork - Haleen Lee
Book Design - Haleen Lee
Stocked: PDF (Seoul), Blue Cabinet (Seoul), LOFA (Seoul), Cahier Central (Paris), Librairie sans titre (Paris), Good Press (Glasgow), Artbooks Gorae (Seoul), Visual Collect (Seoul), shashasha (Tokyo),
Collection: Biblioteka London, Library of Weißensee Kunsthochschule Berlin, AABB Library (Seoul), Staatliche Museen zu Berlin – Kunstbibliothe (Berlin)
Book Fair: Thousandfold Photobook Fair 2026 (Berlin), Offprint Paris 2026 (Paris), Incheon RE:PRINT Fair 2026 (Incheon)
The Magazine is a photo-painting series derived from Borderless.
Participants are recruited through social media and selected on whether what they actually wear aligns with the direction of the work. Clothing, hair and make-up are decided entirely by the participant — moving the styling from photographer to subject is what separates this from a commercial shoot. Each is recorded full-length in a chosen location; the shapes and colours produced by the clothing and the body are then extracted and rebuilt as painting.
The final form is sequence. Photograph and derived painting are paired and placed side by side, and images sharing formal resemblance accumulate into a typological record. The figure is not the subject of representation but a carrier for the colour of a place and a moment; the painting does not describe the person, it absorbs the state around them; Holding to continuity, frontality and objectivity, the structure can extend indefinitely as long as there is something to compare.
A method that began in painting is tested by passing through photography and publishing. That is why The Magazine is an extension of Borderless rather than a departure from it.
Participants are recruited through social media and selected on whether what they actually wear aligns with the direction of the work. Clothing, hair and make-up are decided entirely by the participant — moving the styling from photographer to subject is what separates this from a commercial shoot. Each is recorded full-length in a chosen location; the shapes and colours produced by the clothing and the body are then extracted and rebuilt as painting.
The final form is sequence. Photograph and derived painting are paired and placed side by side, and images sharing formal resemblance accumulate into a typological record. The figure is not the subject of representation but a carrier for the colour of a place and a moment; the painting does not describe the person, it absorbs the state around them; Holding to continuity, frontality and objectivity, the structure can extend indefinitely as long as there is something to compare.
A method that began in painting is tested by passing through photography and publishing. That is why The Magazine is an extension of Borderless rather than a departure from it.
The Magazine은 Borderless에서 파생된 사진-회화 연작이다.
소셜미디어를 통해 참여자를 모집하고, 그들이 실제로 입는 옷차림이 작업의 방향과 맞는지 검토한 뒤 선정한다. 의상, 헤어, 메이크업은 모두 참여자 본인이 결정한다 — 연출을 촬영자에게서 참여자에게로 옮기는 이 선택이 상업 화보와의 결정적 차이다. 특정 장소에서 전신을 기록한 뒤, 촬영물 속 의상과 인물이 만드는 형태와 색을 추출해 회화로 재해석한다.
최종 형식은 나열이다. 사진과 그로부터 파생된 회화를 짝지어 나란히 배치하면, 외형상 유사성을 가진 이미지들이 하나의 유형학적 기록으로 묶인다. 인물은 재현의 대상이 아니라 장소와 순간의 색을 옮기는 매개로 기능하며, 회화는 사람을 묘사하지 않고 그를 둘러싼 상태를 흡수한다. 그렇게 연속성, 정면성, 객관성을 유지하는 이 구성은 비교 대상이 존재하는 한 무한히 확장 가능한 형식인 것이다.
회화에서 출발한 방법이 사진과 출판이라는 다른 매체를 통과하며 검증되는 것 — 그것이 The Magazine이 Borderless의 확장인 이유다.
B4 size, C-type Print
188 pages
Photo: Haleen Lee
Borderless는 이 방법을 회화로 수행한다. 건축 입면에서 가져온 대칭 분할, 저채도로 좁게 제한된 팔레트, 프레임과 배경이 한눈에 구분되지 않도록 조율된 표면. 형태가 어디서 시작되고 끝나는지 확정되지 않으므로 관객은 화면 앞으로 다가와 탐색하는 시간을 갖는다. 이 지연이 작업이 설계하는 감상의 속도다. 여기서 비어 있는 부분은 배경이 아니라 긴장이 머무는 자리이며, 대칭은 그 여백이 작동하기 위한 틀로 존재한다. 각 작품에는 제목과 함께 제작연도와 규격을 기술하는 코드가 부여된다.
Oil on Linen, 22.7 x 15.8cm
Oil on Linen, combined work 137.8 x 50cm
Oil on Wood, 33.4 x 24.2cm
Oil on Wood, 33.4 x 24.2cm
Oil on Wood, 60.6 x 50cm
Oil on Linen, 50 x 45.5cm
Acrylic on Linen, 27.3 x 22cm
Oil on Linen, 145.5 x 112cm
Oil on Linen, 22.7 x 15.8cm
Oil on Linen, 91 x 73cm
Acrylic on Linen, 34.8 x 27.3cm
Oil on linen, 34.8 x 27.3cm
Oil on linen, 25.8 x 17.9cm
Oil on linen, 34.8 x 27.3cm
Oil on linen, 27.3 x 22cm
Oil on linen, 34.8 x 24.2cm
Oil on Wood, 33.4 x 21.2cm
Oil on Wood, 34.8×27.3cm
Oil on Wooden Panel, 40.9 x 31.8cm
Oil on Linen, 27.3 x 22cm
Acrylic on Linen, 27.3 x 22cm each
Oil on linen, 34.8 x 24.2cm
Acrylic on Linen, 33.4 x 24.2cm
Acrylic and Gesso mixed medium on Linen
25.8 x 17.9cm
About Gallery, Daegu
2026.08.08 - 30
Over the past several years, Korean contemporary painting has been marked by work that actively absorbed the sensibility of the digital environment. Smooth surfaces rendered with the airbrush, volumetric forms evoking 3D modelling, pixels and grids, the layering and division of images, compositions resembling video sequences — all of these showed how deeply the digital environment had permeated the formal language of painting. The static plane acquired a temporality, as though it were a moving screen, and painting came to disclose an increasingly light and fluid sensibility. Recently, however, another shift can be detected in the work of younger artists. They summon the trace of the hand, the texture of paint, chance and delay, and the temporality of the body into painting and ceramics. In place of the smooth surface they reveal roughness; in place of the immediate result, the process of emergence; in place of the completed image, a state of indeterminacy. This attitude — rethinking matter and body, time and sensation — poses the question of a post-digital sensibility anew. The digital is no longer an unfamiliar technology but an environment embodied within our senses. Rather than reproducing a digital aesthetic or rejecting its grammar outright, these artists pass fully through it while moving back and forth between matter and image, body and data, the real and the unreal, exploring new ways of relating across those distances.
The seven artists in this exhibition were all born between 1995 and 1999, a generation that experienced the analogue and the digital alongside one another. While sharing a common generational sensibility, each develops distinct work grounded in their own formal language and worldview.
Participating Artists Do Jae E, Yeom Kinam, Lee Seokyung, Lee Juhyun, Lee Haleen, Jung Yoona, Tae Hyunyoung
Curated by Shin Jihye, Shin Hyeji
Written by Shin Hyeji
‘pip’는 과일의 씨앗이자 라디오의 신호음, 작은 새나 동물의 울음소리를 뜻하는 단어다. 거울에 비추면 사전적 의미를 갖지 않는 ‘qiq’가 된다 — 하나의 해석으로 고정되지 않고 의미가 생성되는 상태. 이번 전시의 작품들은 손에 담길 만큼 작은 형식에서 출발해, 그 작은 크기가 만드는 여백과 가까운 관람 거리 안에서 물질과 신체, 시간의 미세한 움직임을 들여다본다.
지난 몇 년간 한국 동시대 회화에서는 디지털 환경의 감각을 적극적으로 수용한 작업이 두드러졌다. 에어 브러시로 구현된 매끄러운 화면, 3D 모델링을 연상시키는 부피감 있는 형상, 픽셀과 격자, 이미지의 중첩과 분할, 영상의 시퀀스를 닮은 화면 구성 등은 디지털 환경이 회화의 조형 언어에 깊이 스며들었음을 보여주 었다. 정지된 평면은 마치 움직이는 화면처럼 시간성을 획득했고, 회화는 점차 가볍고 유동적인 감각을 드 러내었다. 그러나 최근 젊은 작가들 작업에서는 또 다른 변화가 감지된다. 이들은 손의 흔적과 물감의 질 감, 우연과 지연, 신체의 시간성을 회화와 도예 안으로 불러들인다. 매끄러운 화면 대신 거친 표면을, 즉각 적인 결과 대신 생성의 과정을, 완결된 이미지 대신 미결정의 상태를 드러낸다. 물질과 신체, 시간과 감각 을 다시 사유하는 이러한 태도는 디지털 이후의 감각을 새롭게 질문하게 만든다. 이제 디지털 환경은 더 이 상 낯선 기술이 아니라 우리의 감각 속에 체화된 하나의 환경이다. 작가들은 디지털적 미감을 재현하거나 문법을 완전히 거부하기보다, 그것을 충분히 경유하면서도 물질과 이미지, 신체와 데이터, 현실과 비현실의 사이를 왕복하며 새롭게 관계 맺는 방식을 탐색한다.
전시에 참여한 7인의 작가들은 모두 1995년에서 1999년 사이에 태어나 아날로그와 디지털 환경을 함께 경험한 세대이다. 이들은 공통된 시대적 감각을 공유하면서도 각자의 조형 언어와 세계관을 바탕으로 서로 다른 작업을 전개한다.
참여작가 도재이 염기남 이서경 이주현 이하린 정윤아 태현영
기획 신지혜 신혜지
글 신혜지
2024.09.23
Photo: Haleen Lee
Borderless is an ongoing series of paintings on architectural apertures — windows, corridors, stairs.
An aperture is the part of a building opened on purpose: for the exchange of light, air and sound, or for movement into another space. It is the only place where inside and outside genuinely meet, and pictorially it is where plane meets plane and tension appears. The series keeps that place and discards the rest — no wall, no furniture, no landscape beyond the frame. Stripped of context, the structure becomes an object in its own right and is absorbed back into the space the viewer occupies.
Composition begins in symmetry. The symmetrical division is taken from architectural elevation and it produces balance, but balance is not the point. Set a carefully weighted void inside an ordered structure and the tension collects in the empty part. Symmetry is the frame that lets the void work.
The series does not converge on a destination. The same motifs recur with small shifts in form, proportion and colour, and each work carries a code recording its year and dimensions. Because the format is written into the code, canvases of the same size can be set adjacent and joined into a single plane.
An aperture is the part of a building opened on purpose: for the exchange of light, air and sound, or for movement into another space. It is the only place where inside and outside genuinely meet, and pictorially it is where plane meets plane and tension appears. The series keeps that place and discards the rest — no wall, no furniture, no landscape beyond the frame. Stripped of context, the structure becomes an object in its own right and is absorbed back into the space the viewer occupies.
Composition begins in symmetry. The symmetrical division is taken from architectural elevation and it produces balance, but balance is not the point. Set a carefully weighted void inside an ordered structure and the tension collects in the empty part. Symmetry is the frame that lets the void work.
The series does not converge on a destination. The same motifs recur with small shifts in form, proportion and colour, and each work carries a code recording its year and dimensions. Because the format is written into the code, canvases of the same size can be set adjacent and joined into a single plane.
Borderless는 창문, 통로, 계단과 같은 건축의 관통 구조를 대상으로 하는 회화 연작이다.
관통 구조는 빛과 공기와 소리의 교환을 위해, 또는 다른 공간으로 이동하기 위해 의도적으로 뚫린 부분이다. 건축에서 안과 밖이 실제로 만나는 유일한 지점이며, 회화적으로는 면과 면이 만나 긴장이 생기는 자리다. 이 연작은 그 지점만 남기고 나머지를 배제한다. 벽도, 가구도, 창 너머로 보여야 할 풍경도 그리지 않는다. 맥락을 잃은 구조는 하나의 독립된 오브제가 되어, 관객이 서 있는 공간의 일부로 다시 편입된다.
구성의 기본은 대칭이다. 건축 입면에서 가져온 대칭 분할은 화면에 균형과 질서를 부여하지만 목적은 안정 자체가 아니다. 정돈된 구조 안에 밀도 있게 조율된 여백을 중첩시키면 비어 있는 부분에 긴장이 머문다. 대칭은 여백이 작동하기 위한 틀이다.
연작은 도착점을 향해 수렴하지 않는다. 같은 모티프가 반복되되 형태와 비례와 색이 미세하게 변주되고, 각 작품에는 제작연도와 규격을 기술하는 코드가 부여된다. 규격이 코드에 기입되어 있으므로 같은 호수의 화면들은 서로 인접시켜 하나의 면으로 결합할 수 있다.